导读：PS *** 波普风格的，高手加我，我提供，帮忙做两张，谢谢~效果图:教程:PS *** 波普风格照片效果柠檬奇想，希望对你有用怎样做宣传海报呢？宣传海报 *** *** 如下，供参考： *** /步骤1: *** 一张精美的海报，首先要明确海报的主题，根据主题去搜集相关的
PS *** 波普风格的，高手加我，我提供，帮忙做两张，谢谢~效果图:教程:PS *** 波普风格照片效果柠檬奇想，希望对你有用怎样做宣传海报呢？
宣传海报 *** *** 如下，供参考：
*** /步骤1:
*** 一张精美的海报，首先要明确海报的主题，根据主题去搜集相关的和文字素材。定好宣传海报要宣传的产品或者活动的内容，拟好宣传标语或者宣传介绍，为 *** 海报做好准备。
*** /步骤2:
在根据确定的标题选好素材以后，就要对素材进行整理和修改应用于海报。首先是海报背景的设计。根据主题，如果主题是跟“大海”有关，那背景色可以是蓝色、可以是跟海有关的图案背景。让海报背景跟主题相切是 *** 一张精美的海报必不可少的。
*** /步骤3:
确定好海报的背景色之后，要对海报进行整体布局上的排版，就是明确哪里放置，哪里放置文字。需要在一张空白的纸上画出整体布局图，为后期排版提供参考。布局要尽量做到和文字间隔开，海报布局不宜太密，要详略得当。
*** /步骤4:
根据布局的要求，先对文字进行排版。将需要介绍的文字放入相应的布局中，并根据海报整体风格改变字体。一般我们在 *** 海报是常用的字体是pop字体，这种字体比较轻松却不改变字体本身的形状，无论是美观度还是严谨度都适合海报的 *** 。在设计好字体以后，要详细阅读，以免出现不必要的错误和语病。
*** /步骤5:
排版完文字之后就要进行的排版。将贴入相应的布局区域，贴入的要清晰美观，颜色要与背景色不冲突。贴入后要对的大小进行修改，使其适应整个版面和版面上的文字大小，保持二者的协调性。
*** /步骤6:
将背景、文字、都 *** 好以后，一张海报基本完成。但是为了是海报更加精美，我们要站在整个海报体现的效果来进行调整。调整时尽量丰富海报的内容，调整海报的颜色搭配，突出海报的吸睛点。调整完成要为海报设计一个有吸引力的题目，并将题目放置于布局中的位置。题目的字体应该最醒目，颜色最突出。
艺术丨新颖独特的“波普”风格，你知道吗？肯定有小伙伴听说过草间弥生、村上隆、杰夫昆斯、伊夫克莱因等人，而他们都是一个领域的著名艺术家。这个领域就是——“波普”那么，首先跟着我，一起来了解一下波普（Popular的缩写，也是“棒棒糖”的一个简化口语词)，意即流行艺术、通俗艺波普艺术术。而波普艺术一词最早出现于1952~1955年间，由英国艺术评论家LaurenceAlloway提出。这种艺术形式起源于二战之后的英国，在上世纪50年代后期在美国发展起来。说起波普艺术，不得不提被誉为“波普艺术之父”的安迪·沃霍尔（AndyWarhol）1962年，最典型的波普代表作《玛丽莲梦露》问世。这位波普艺术的****可以将日常生活中一切平淡无奇的东西，都变成了艺术。他一反常态，将可乐、罐头、香蕉等消费品作为画面主体，打破了高雅与大众通俗的界限。在当时，这样的举动算得上是巨大的创意。在1962年，安迪·沃霍尔的《金宝汤罐头》之一次在洛杉矶展出，引发了很多争议，认为这种平常到没人特别关注的罐头怎么就能成为艺术了呢？安迪·沃霍尔认为，在一个消费型社会中，这些最常见的商品更能代表社会所有人的真实需求，而这种物品成为艺术品后，反而更有这个时代的艺术价值。波普风不仅是一种流行风格，更是一种诞生于20世纪50年代中期英国的艺术表现形式（又称“新写实主义”和“新达达主义”）。它反对一切虚无主义思想，通过塑造夸张、视觉感强的典型形象来表达一种实实在在的写实主义。波普艺术最主要的表现形式就是各种几何图形。如今，它已经成为生活中最常见的艺术。不论是**海报，还是普通短袖等衣服上的印花logo甚至是一些造型奇特的家具，都已经用上这种波普艺术风格的设计了。它有哪些特点呢？设计主体通常来自于我们生活中随处可得的东西，只要你有idea，你就能创造艺术。“波谱”设计风格变化无常，很难确定统一的风格。可以说各种各样，它被认为是一个 *** 的设计风格。在波普风设计中，常常都能看到互补色的大面积应用。这种色彩对比达到更大的程度的互补色，会使视觉效果强烈 *** 。在色相环中每一个颜色对面（180度对角）的颜色，称为互补色，也是对比最强的色组。把互补色放在一起，视觉效果强烈 *** ,色彩对比达到更大的程度，会给人强烈的排斥感。若混合在一起，会调出浑浊的颜色。如：红与青，蓝与黄，绿与品红为互补色。在光学中指两种色光以适当的比例混合而能产生白光时，则这两种颜色就称为“互为补色”。补色并列时，会引起强烈对比的色觉，会感到红的更红、绿的更绿。在波普风设计中，点、线、面的应用随处可见。波普风设计可以说用最简单、最基本的元素，达到意想不到的艺术效果。所以波普设计是后来产生后现代设计的一个重要设计潮流，它可以帮助我们理解后现代思潮的产生，成为现代设计往后现代设计发展的重要转折点。看完这篇文章后，我觉得你应该对这种风格有初步的了解。如果你喜欢这个新颖独特的风格，请记得给我点赞，支持一下(___`_)__那种高度娱乐、戏谑、俗艳的设计与主流的“优雅设计”完全不同，颜色和图形的组合使用往往令人惊奇，材料的处理既有传统的设计材料如木头、金属和纺织品等，又常采用一些日常生活中“俗气”的材料，像咖啡馆、酒吧和海滨餐厅里常见的印花塑料装饰板，或者是成批生产的“用完即弃”的消费品常用的多种装饰材料等等。“孟菲斯”工作室的设计具有明显的“波普”风格，带有一种儿童的天真和年轻人玩世不恭的意味，因而在80年代受到了普遍的欢迎。
※后现代主义的重要人物
温图利:美国建筑设计家。他是在建筑设计上奠定后现代主义基础的之一人。1969年提出少则烦的原则，从形式基础上对现代主义挑战，作品“温图利”住宅提出了自己的后现代主义形式宣言。他并反对现代主义的核心内容，设计包含了大量清晰的古典主义单调的形式特征，但总的来看仍然是简单明确的、功能性的、实用主义的。温图利追求一种典雅的、富于装饰的折衷主义的建筑形式。他设计的英国国家艺术博物馆圣斯布里厅是后现代主义建筑的重要代表作之一。
穆尔:美国杰出的后现代主义设计大师。他对于建筑设计一向持有非常浪漫的艺术态度，不少建筑都具有鲜明舞台表演设计的特点。他对于自然环境、社区环境与建筑的吻合、协调特点非常重视。代表作意大利广场、双树旅馆。
格里夫斯:美国建筑家，奠定后现代主义建筑设计的重要人物。他的设计讲究装饰的丰富，色彩的丰富，注重历史风格的折衷表现。许多设计综合了画家和建筑师双重技术，完整地融合一体。他最重要的设计作品是波特兰市的公共服务中心，成为更具代表性的后现代主义建筑。
约翰逊:美国最重要的设计理论家、当代建筑设计师之一，先后经历了两次重要的现代设计运动。他是最早把欧洲的现代主义介绍到美国的人物之一。他和密斯合作设计西格莱姆大厦是其成为世界大师的重要转折点。在温图利提出少则烦主张后，它设计了美国电报 *** 公司大厦，成为后现代主义的代表作之一。他代表了后现代主义设计中比较讲究保持古典主义精华完整性的一派。
矶崎新:后现代主义的重要代表，极具个人特点。他能够在现代主义与古典主义间找到一种非常微妙的关系。达到既有现代主义的理性，又具古典主义的装饰色彩和庄严。代表作洛杉矶当代艺术博物馆等。
斯特林:英国杰出的后现代主义设计家。他的探索方向是标准的后现代主义式的，采用现代主义与古典风格的结合，并且加以嘲讽式的处理，严肃中充满了戏虐和调侃的味道，最典型的例子是德国斯图加特的新国家艺术博物馆。
罗伯逊:美国弗吉尼亚大学建筑学院院长，他主张改革现代主义、国际主义设计风格的冷漠，非人情化的倾向，希望能利用历史传统达到建筑的文化气息。他不希望对古典风格和历史风格进行嘲弄和戏虐，努力把现代主义的结构和古典主义的动机进行完美的结合，代表作有阿姆维斯特总部大楼等。
阿道•罗西:意大利重要的后现代主义设计师，他把环境整体性、协调性看得至高无上，从而形成他的设计 *** 和理论。最集中体现他原则的例子是莫迪纳市的公墓建筑。其他还有法列尔、詹克斯、塔夫特事务所、博塔、罗什等都是后现代主义的重要代表。
※后现代主义的产品设计
后现代主义在产品设计上的影响没有建筑设计上的广泛。从形式上可以分为:高科技风格、改良高科技风格、意大利的阿基米亚和孟菲斯集团、后现代主义风格、减少主义风格、建筑风格、微建筑风格、微电子风格等。高科技风格是从克朗和斯莱辛的著作《高科技》中产生的，特指1、技术性的风格，强调工业技术的特征。2、高品味的。不是强调民主化的现代主义的衍生。高科技风格把现代主义设计中的技术成分提炼出来，加以夸张处理，形成一种符号的效果。把工业技术风格变为一种高商业流行风格。给于工业结构、机构部件以美学价值是高科技风格的核心内容。它也是首先从建筑开始的。代表作有罗杰斯的蓬皮杜文化中心等。过渡高科技是一种对工业化风格、高科技风格的冷嘲热讽、嘲弄的表现，具有更高的个人表现特点，也比较难以批量化生产。此风格充满了荒诞不羁的细节处理，表现了设计师对于高技术、工业化的厌恶和困惑，是庞克文化、霓虹灯文化的一种体现。它明显的讽刺特征造成了它不可能得到广泛的欢迎。代表作有阿拉德的“混凝土”音响组合等。意大利的阿基米亚和孟菲斯集团是两个关系密切的设计组织。代表了现代主义开始式微以来意大利设计的新发展趋向。这两组织的设计原则基本相似，都是以高度娱乐、戏虐、艳俗的 *** 来达到与正统设计完全不同的效果，表示丰裕时代的艳俗和平庸。这种设计色彩鲜艳。普遍采用非常俗气的材料——装饰板作为表面粘贴装饰基础，形成明显的波普风格。设计中玩世不恭的气息得到80年代青年的喜爱。后现代主义风格是从建筑设计上衍生出来的。它通过产品表现了与建筑上的后现代主义相似的倾向，包括了历史主义和装饰主义立场，对历史动机的折衷主义立场，娱乐性三方面特征。代表作克利夫斯设计的椅子MG—1等。减少主义风格是80年代开始兴盛的一个设计风格，特征是一种美学上追求极端简单的设计风格，一种加尔文式的简单到无以复加的设计方式。它受到米斯设计思想影响，产品具有简单的结构，比较生硬的表面处理特点。减少主义的重要代表人物首推斯塔克，重要的减少主义集团是宙斯设计集团。建筑风格是后现代主义在产品设计上的一个分支。此风格主要集中在由建筑师设计的家具上，大量采用后现代主义建筑的风格，甚至完全搬用建筑的形式，产生出像建筑的家具来。代表作有罗西设计的柜子AR—1等。微建筑风格指的是把后现代主义“建筑风格”沿引到产品设计上，特别是小产品设计上。它是装饰主义的一个比较极端化的发展，大量采用艳丽的色彩和几何图案为装饰动机，加上华贵的材料，使这种风格的产品与20年代的装饰艺术运动风格有相似之处，是 *** 一个高度的发展。代表作有罗西等人设计的咖啡具等。微电子风格不是一个统一的设计风格。它是技术发展到电子时代，电子产品涌现而导致的新的设计范畴，重点在于如何把设计功能、人体工学、材料学等技术统一，在新产品上集中体现出来，达到良好的功能和形式效果。由于微电子技术的发展，产品尺寸越来越小，设计上则越来越简单明快，往往采用新理性主义和功能主义的方式。代表作西门子等公司设计的电子设备。
※解构主义
解构主义的形式实质是对于结构主义的破坏和分解，作为一种设计风格的形成于80年代。在建筑上更先开始，从字意来看，解构主义的所反对的是正统原则和正统标准，即现代主义、国际主义原则与标准。因此具有很大的随意性、个人性特点。后现代主义兴盛了不长时间就衰颓了，重视个体、部件本体，反对总体统一的解构主义哲学却被少数设计师认同，认为是具有强烈个性的新哲学理论而采用。它不是设计上的无 *** 主义方式，所有解构主义作品都貌似零乱，而实质有内在的结构因素和总体性考虑的高度理性化特点。重要的代表人物有弗兰克•盖里、艾什曼等。盖里的设计采用了解构的方式，即把完整的现代主义、结构主义建筑整体破碎处理，然后重新组合，形成破碎的空间和形态。他的作品具有鲜明的个人特征，采用解构主义哲学的基本原理。重视结构的基本部件，认为基本部件本身就具有表现的特征，完整性不在于建筑本身总体风格的统一，而在于部件的充分表达。虽然其作品基本都有破碎的总体形式，但这种破碎本身却是种新的形式，解析了以后的结构。盖里的设计代表了解构主义的精神精华。艾什曼常运用现代主义、国际主义的各式结构，但大部分部件却是解构的，总体的风格是非一般几何式的，复杂的。代表作有威克斯奈视觉艺术中心等。解构主义因为存在许多结构的、工程上的问题，很难立即影响到工业设计，对于平面设计，则导致了达达主义风格的复兴。达达主义在版面是以简单字体和插图布局的零散，乃至凌乱的方式，表达当时的无 *** 主义思潮。作为对于国际主义、现代主义平面风格的一种反动，这种新的解构风格于90年代开始在青年设计家中开始流行，促成这种风格流行的另外一个原因是技术上的，即电脑设计的普及和发展。解构主义并没有能够真正成为引导性的风格，它一直是一种知识分子的前卫探索，具有强烈的试验气息。
※新现代主义
在温图利向提出现代主义挑战以来，除了后现代主义还有一条道路就是对现代主义的重新研究和发展。被称为“新现代主义”或“新现代”设计。新现代主义坚持现代主义的传统，根据新的需要给现代主义加入了新的简单形式的象征意义，但总体来说它是现代主义继续发展的后代。这种依然以理性主义、功能主义、减少主义方式进行设计的风格人数不多但影响巨大。70年代从事现代主义设计的以“纽约五人”为中心，他们的作品遵循了现代主义的功能主义、理性主义基本原则，但却赋予象征主义的内容。新现代主义是在混乱的后现代主义之后的一个回归过程，重新恢复现代主义设计和国际主义设计的一些理性的、次序的、功能性的特征，具有它特有的清新味道。新现代主义在平面设计上的影响特点之一就是新包豪斯风格:工整，功能性强，讲究传达功能，冷漠。新现代主义的代表作有迈耶的装饰艺术博物馆等。
导语：缤纷的条纹放在哪里，才能点亮整个空间？黑白灰，应该怎么去用，最合新贵族刁钻的品位？不同色彩的瓷砖会拼成什么样子的卫浴间？纯白和闪亮银要如何搭配，方能成为一种自然格调？本次小编和你一起来看都市新贵们为自己量身打造的家，他们的色彩、他们的个性、他们的张扬、他们的喜好，种种关乎家的精彩瞬间，皆定格于此。PART1 黑白印象STYLE1 黑白印象+极精致搭配 家居MIX风STYLE2 更舒适的亮白蜗居 家居乐活风PART2 炫色波普STYLE3 81平艺术气息家 家居波普风STYLE4 彩虹色无定性居家 家居条纹风PART1 黑白印象STYLE1 黑白印象+极精致搭配 家居MIX风黑与白是时尚风潮的永恒主题，强烈的对比和脱俗的气质，无论是极简、还是花样百出，都能营造出十分引人注目的居家风格。极简的黑与白，也可以做出新意层出的设计。在极简的黑白主题色彩下，加入极精致的搭配，融合各种柔媚的女性元素，居室的品质在细节中得到无限的升华打造出无比设计感的家。Space1 卧室 卫浴间 黑白条纹MIX女性元素 打造优雅、高贵感用黑色与白色布置卧室和卫浴间，要想简约而不单调，彰显出魅力而又不过于超现实和冷冰冰，就需要让黑色和白色有所变化，并加入一些非常具有女性化特质的装饰。黑白条纹相间的卧室基调，营造出十分时尚的效果。在漂亮的黑与白中，加入款式相近的吊灯、蝴蝶图案的白色单人座椅、紫色的台灯和各种优雅的白色布艺，时尚而超前的卧室和卫浴间变得非常高贵而典雅。黑白条纹+白色针织绣品用黑白条纹布置卧室，运用在墙面、地毯、吊灯上，强烈的成熟、稳重风格就打造而成了。在这样的卧室中营造优雅感，要依靠带有镂空花朵图案的白色针织绣品。将其大面积地铺陈在黑白条纹中，醒目而效果卓越，可以营造充满优雅气质的卧室。黑白条纹+浪漫风格家具饰品白色的蝴蝶图案单人座椅为卧室里的休闲空间带来了纤柔的优雅感，再配以梦幻感的发丝造型灯和充满野性的仿真雕塑，卧室的休闲区便具有了贵族的气质。黑白条纹+自然装饰规律与随意是两种不同的装饰风格，在黑白条纹的墙壁之上，一面冰棱感的窗饰打破了条纹墙面的流畅，恰到好处地让卫浴间产生了丰富的视觉变化。白色冰棱感的窗饰，更与超脱而高贵的黑白空间和谐搭配，营造出纯粹的美丽。被白条纹+紫色大件家居用品雅致的紫色运用在黑白条纹的空间当中，让紫色的高贵和漂亮更加彰显出来，也让卧室充满了流行和时尚的味道。搭配床品的优雅感，床头柜上也要罩上一块能表现精致和优雅的白色布艺，配上紫色台灯，让床头的意境变得成熟而完美。Space2 餐厅 厨房 黑白空间MIX设计感装点打造时尚、可爱格调在大面积运用黑色与白色布置的房间中，营造时尚、可爱的感觉，一定不能缺少充满设计感的高级派产品，椅子、灯具、餐具给餐厨空间带来了大量的几何图形，既代表着高品质，又带来与众不同的时尚感，打造出具有创意的、新鲜的灵动空间。同时通过另一种不同的自由任性的布置，令不易出彩的空间更加时尚而可爱。黑白空间+蕾丝绣花桌布在布置丰满的餐厅中，为餐桌选择一块披肩般的美丽桌布，让餐桌展现不可多得的可爱和轻柔格调，这样的餐桌营造出的是安静、温馨的就餐氛围，更可以为平凡的餐厅带来高尚生活品质，恰到好处地表现出硬朗的黑 *** 调与轻柔材质的结合。黑白空间+前沿家具在大部分呈现黑白色的餐厨空间中，纯净的高技派坐凳，让餐厅充满未来感。在餐桌的一侧摆放一张鸵鸟造型的解构主义边桌，避免厨房和就餐区的冷情感，以自己的独特喜好表现出活泼和智慧的审美情趣。吊灯的选择也不能疏忽，两排小号般的吊灯让餐厨更加轻快和活跃起来。黑白空间+工业设计在黑与白的空间中，工业设计的厨具和灶具，表现出现代家庭的极简生活理念，同时，在出轨上摆放一些可爱的调料瓶、餐具，可爱感也可以非常突出地表现出来。在操作台的黑白色调对比之下，银灰色古典主义的墙纸为厨房增添一种不凡的超脱，成为精致生活的绝佳代表。黑白空间+艺术化墙纸可以把餐厨空间隐蔽起来的绘画拉门，既照顾到从外部看过去的视觉感受，并解决了开放式厨房的油烟问题。而橱柜一侧漫画感的墙纸，则布置出了一个充满活泼气氛的成人世界。STYLE2 更舒适的亮白蜗居 家居乐活风纯纯的白、闪闪的银，也能营造出自然的感觉，所以在家，打破大家对自然色的概念；放弃了一般人常用的自然色：绿或咖啡，反而用上了纯白和银色。案例中屋内墙身差不多全部打通，只留下浴室间隔，以及主人房与客厅的其中一面墙壁，其余的不是开放式，便是以推拉门式的活动间墙作间隔，相当灵活。屋顶：雨点吊灯和波点白云亮点：灯具+银色天花板 这间以大自然为题的房间，面积只有50平米，四周都有意想不到的点缀和摆设，雨点吊灯和天花板上的波点白云即为一例。内墙：乐活嵌入式亮点：软装饰物+白色地板 屋子里有不少的空间，都是嵌入式的设计，种满绿植，地板都用白色，是为了使室内看来有所延伸，起到开阔视觉空间的效果。卧室：收纳也时尚亮点：柜床+蓝色屋顶 因为面积很小，房间以白和蓝为主，并着重在睡床的下方做了很多收纳柜，实用却也不失时尚。儿童房：活动间隔一分为二亮点：推拉门+彩色小点缀物 小女儿的睡房和主人房是相连的，仅仅以推拉门作为分隔，加高的地台和床下，有大量的储物空间。厨房：会“闪”的面板亮点：面板+吧台+银色吊柜 开放式的厨房里，很亮，因为装上了很闪亮的镜面马赛克以及镜面橱柜面板。走廊：带来新鲜感的图案贴亮点：镜面+白色图贴 特意为房间设计出来的图案胶贴，造型有趣，就算将来想装换图案也方便。浴室：能躲藏的推拉镜亮点：洗漱区+闪银色墙砖 洗涤盆设在浴室外，是住宅少有的设计，镜子为推拉式设计，可收藏起来，银色的马赛克镜面十分两眼。玄关：属于女儿的展览区亮点：玄关镜+强磁吸+白色墙面 玄关上的白墙，是为女儿专门开辟出来的作品展览区。PART2 炫色波普STYLE3 81平艺术气息家 家居波普风 大花、紫红、几何图案……纯粹现代的时尚普普艺术风格，只要见到过，你就绝不会忘记这样缤纷的家！打造一间让人过目不忘的家，并且尽可能好看，舒适，永远是时尚个性达人所追求的目标。这间81平米的公寓，面积刚刚好，充满艺术气息的波普风，即使让达人们天天呆在家里，也绝不寂寞。SPACE 1 餐厅搭配重点：紫红+花朵+插花点睛物品：玻璃茶几 餐厅的整体颜色以抢眼的紫红为主，墙壁大胆采用了花朵的创意，并用了大量的插花与之衬托。SPACE 2 客厅搭配重点：紫红+花朵+插花点睛物品：红沙发、挂画 客厅的地毯拥有几何线条，呼应普普风；在一些家饰的挑选上，也颇下功夫：吊灯、烛台与摆钟等等，极具抽象气质。SPACE 3 卧室与阳台搭配重点：花朵壁纸+地毯点睛物品：黑白花转椅、落地灯 卧室紧挨着阳台，南北十分通透，白色的床品在普普风格的壁纸衬托下，并不显得单调，棉毛质地的大毡毯为家增添了暖意。STYLE4 彩虹色无定性居家 家居条纹风都市新贵是注重享受的一族，缤纷的家，很多种颜色，完全自由没有定性。也许你不会选择这种风格，但你不能否认，这是一个让人建国之后就会满怀欢喜的地方。客厅：蓝绿条纹让心情释放亮点：壁纸+条纹沙发 选择不面积的、多色的条纹来装扮客厅，不仅让人眼前一亮，还可以激发出人们内心快乐的情绪。卧室：动感条纹 晕染空间亮点：蓝墙+地毯+彩虹色条纹床品 卧室作为整个居室的一部分，需要遵循居室的整体风格，像这样，白色为基调，搭配上漂亮的彩虹色条纹，很抢眼。偏厅：中性条纹 横生妙趣亮点：百叶帘+黑白地毡+七色懒骨头 偏厅是主人用来休憩的地方，看看闲书，听听音乐，有个懒骨头，很容易让人就有了愉悦的心情。浴室：镜面扩张空间亮点：镜面+粉红门框 最引人赞叹的无疑是这里的浴室，色彩和谐的彩砖，沿墙而下的整幅镜面，很大程度扩张了视觉空间。墙面：多色瓷砖的活跃表情亮点：绿藤椅+沐浴房+彩砖 与彩色的墙面相呼应，在淋浴房旁边还有一张绿色的藤椅，散发着草木的气息，同时也打破了人们对传统浴室的设想。洁具：白色为先佐以彩亮点：浴缸+花饰+粉色收纳盒 大大的浴缸不止满足了对功能方面的需求，同时也显示出了主人自身的好品位。窗台：个性十足 彩砖自砌亮点：收音机+彩色毛巾 其实除了彩色墙砖以外，浴室仍是以白色为主，但因为加入了多种颜色的毛巾以及小物件为装饰物，也很容易让人留下强烈的色彩感觉。
波普艺术风格又称新写实主义，因为波普艺术(Pop Art)的POP通常被视为"流行的、时髦的"一词(popular)的缩写。它代表着一种流行文化。以下是我对波普艺术风格装饰及特色的介绍。
一、波普艺术风格的起源
1、波普艺术，亦称为“流行艺术”，发端于20世纪60年代左右，以英国伦敦和美国的纽约为中心出现的一个艺术运动。波普艺术(Populor Art)是英国评论家劳伦斯•阿洛韦(Laurence All owey)创名的。1959年阿洛韦说：“大量生产的技术，能够准确无误地复制文字、图画和音乐，已引出大量可供消费的符号和象征品。再想让文艺复兴为基础的艺术独一无二的这个思想来对待这个正在爆炸的划瘸拐行路的大众传播工具被群众所接受，我们必须转变文化这个概念。文化这个词语不再是高级人工制品和历史名人的思想专用品了，人们需要更广泛地用经来描述社会在干什么。”
2、由此可见，波普艺术的思想与行为主张与后现代主义艺术的要旨之一——它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，
还使艺术创作的走向发生了质的变化。打破或冲淡艺术与生活的界线，即尽可能地介入众多普通民众的生活中去——是一脉相承的。波普艺术，兴起于20世纪50年代初的英国伦敦，60年代中期在美国、并以纽约为中心。渐次在欧洲、亚洲等地广为流传。
二、波普艺术风格的特色
波普艺术风格要求的是代表自己喜爱的、新的时代的风范，色彩必须大胆和强烈，设计造型应该突破旧有的造型框框，所以对于他们来说，波普风格的家居设计，从风格到流行程度，都是最为适合的。“波普”设计风格是大胆和强烈的。
三、波普艺术风格装饰要素
1、波普艺术风格所表达的空间中，使用了大量的色泽鲜艳、造型感强的波普风格家俱及装饰品，而装修则退居到第二位，但依然没有影响主人表达自己的前卫、时尚的个性。房间并不大，也没有太多的硬性隔断。很多人认为，波普风格就一定要配上比较闹的墙面色彩，其实这是一个误区。对于需要长时间停留的家居空间来说，太过热烈的背景色，往往是弊大于利。打造波普风格的同时，也顺应了这个时期家居文化的需要，把实用的元素揉和了进来，比如可拆式扬声器设计、圆弧拱形造型等等，
对于高格调、高品味和重生活品质的都市男女来说，是一个不错的选择。
2、如果你杜绝一切绚丽的色彩，如果你抗拒与人开玩笑，如果你崇尚中规中矩的生活，那么这类家俱并不一定适合你，否则你绝对会与它一见钟情。波普家俱的设计都带有一种玩世不恭的气息，以高度娱乐、戏谑、玩笑的 *** ，达到与正统设计完全不同的效果，形成明显的波普风格。这种设计打破了功能主义设计观念的束缚，强调物品的装饰性，大胆使用鲜艳的颜色，展现出与功能主义完全不同的设计新观念，特别受到一些不受约束的青年们的喜爱。前卫的设计往往并不复杂，有时候也许简单得出人意料。
这种以当时更流行的形象为题材的艺术在20世纪中期由罗伊·里奇特斯坦等艺术家首次创造出来，这些人被称做“波普艺术家"。
罗伊．里奇特斯坦是之一位选择20世纪50年代流行于美国的漫画里的形象为创作主题的画家．这个作品的名字是《杰作》．创作于1962年。
人民的艺术
这种取材于流行文化的艺术形式被称做“波普艺术”。
1: “波普艺术”在20世纪50年代中期到60年代末期已开始在美国和英国盛行。波普艺术家们通常选择人人都熟悉的事物作为他们作品的主题。
2: 他们的画作或雕塑作品都是取材于当时人们每天都会见到的东西。如汤罐头、爆米花这些家庭中常见的产品或是纸币、加油站、路标、旗帜等等。
3: 他们选择经常在报纸、杂志、电视和**上出现的东西作为自己的题材，比如演员、歌手、歹徒、牛仔、甚至还有卡通人物。
波普艺术风格
波普艺术的风格不是统一的。
1：如里奇特斯坦这样的波普艺术家喜欢用平滑的笔触和很多单色块来模仿那些在广告和漫画中常见的艺术风格。
2：而像安迪·沃霍尔则喜欢把**明星和食品包装上的形象印在画布上。
3:还有一些艺术家。如罗伯特·劳森伯格，则喜欢把粗线条拼凑在一起。
所有波普艺术家都坚信，他们要呈现的是人们生活着的当今社会，而不是过去的社会．．
艺术发展史上的很多时期，都会有一些艺术家以相似的主题、风格或灵感进行创作，被称之为“艺术运动”。波普艺术和印象派就是艺术运动的实例。如果我们回顾历史会发现，把艺术家用这种“运动”来加以区分是很容易的。在那个时期。艺术家们都是独立工作。他们在不同的地方进行艺术创作，不会互相抄袭作品。他们可能并不把自己看做是运动中的一分子。事后我们区分不同的运动是为了了解艺术的发展过程。
新运动
为什么波普艺术在20世纪50年代 得到了发展呢那时世界上发生了什么事情我们知道，欧洲的许多国家都在1945年第二次世界大战后期开始着手恢复国家的生产，但是
美国和英国却从20世纪50年代开始就进入了一个新的繁荣期。这种繁荣推动了社会各领域的变革，艺术界的波普运动也由此产生。
20世纪60年代纽约的百老汇，许多波普艺术家都从这里明亮的，诱人的广告以及其他流行的形象中获得过灵感。
后战争时代的变革(方便快捷新颖渐成主流）
到了20世纪50年代中期，美国和英国已经转型为消费社会。工业发展十分迅猛，人口激增，人们也变得越来越富有。与以往相比，他们为自己家人和家庭买的东西更多了。对许多人来说，他们的目标也变得现代和时髦，比如，在20世纪50年代，人们购买更大的汽车、电视、新款式的家具和电动剃须刀。像圆珠笔这种只用几次就被丢掉的一次性产品也之一次被摆上了商店的柜台。
人们也开始购买在战争时期买不到的食品。这种新型食物在食用之前几乎不需要特别加工，比如汉堡包和袋装冷冻食品(电视快餐)。这些产品都可以在变得越来越大的超级市场中买到，而在私人开的商店里却很难买到。
商用艺术的兴起
因为人们的购买力越来越大，商家开始为卖出更多的产品而彼此竞争。他们需要有绘画技巧的人创造出商业艺术。这种艺术包括对产品的设计和能诱惑顾客购买商品的广告。广告业并不是新兴事物，但是在战后，商家都试图获取更高的营业额，商标名称和容易识别的广告形象变得比以往任何时候都重要。许多商品都在超市里被码放在一起；广告不仅出现在广告牌和招贴板上，而且出现在五颜六色的杂志中和电视屏幕上。
在20世纪50年代之前，广告业和设计业的艺术工作者通常要从在艺术学校学习传统艺术课程开始，这些课程包括在过去的艺术大师的画作中学习油画的绘画技巧。在20世纪50年代，一种不用学习传统艺术课程的新型艺术学校成立了，这种学校是专为培养平面设计师而开设的。学生们在这里为日后能从事与商业艺术相关的职业作准备。
便捷成主流
在20世纪50年代的新型消费社会中，人们想拥有一种便捷的生活方式。从超级市场里堆放的各种各样的商品．到直接从冰柜里拿出的冷冻速食晚餐，都暗示出人们对“便捷”的渴望。商业艺术家需要为这些产品设计广告和包装。
在20世纪50年代，广告商都急于想出精炼、响亮的广告语，这些广告语与产品图像结合起来可以使消费者更容易记住他们的产品。这段时期的著名广告语有：
她用了她没用(伊卡璐发胶．1957年)
滴滴香浓。意犹未尽。(麦斯威尔咖啡，1959年)
只溶在口，不溶在手。(M&Ms巧克力，1954年)
下面这幅墙上的画作看上去就像是一张被放大了很多倍的漫画的一部分。画中人物的面孔是由很多小圆点组成的，就像你通过放大镜来观察报纸上登载的漫画一样。但实际上这并不是一部漫画中的一幅图，而是美国艺术家罗伊·里奇特斯坦1962年创作的一幅画作。这幅漫画风格的作品模仿了人们生活中常见的漫画书中或是报纸上流行的图像。这种以当时更流行的形象为题材的艺术在20世纪中期由罗伊·里奇特斯坦等艺术家首次创造出来，这些人被称做“波普艺术家"。
罗伊．里奇特斯坦是之一位选择20世纪50年代流行于美国的漫画里的形象为创作主题的画家．这个作品的名字是《杰作》．创作于1962年。
人民的艺术
这种取材于流行文化的艺术形式被称做“波普艺术”。
1: “波普艺术”在20世纪50年代中期到60年代末期已开始在美国和英国盛行。波普艺术家们通常选择人人都熟悉的事物作为他们作品的主题。
2: 他们的画作或雕塑作品都是取材于当时人们每天都会见到的东西。如汤罐头、爆米花这些家庭中常见的产品或是纸币、加油站、路标、旗帜等等。
3: 他们选择经常在报纸、杂志、电视和**上出现的东西作为自己的题材，比如演员、歌手、歹徒、牛仔、甚至还有卡通人物。
波普艺术风格
波普艺术的风格不是统一的。
1：如里奇特斯坦这样的波普艺术家喜欢用平滑的笔触和很多单色块来模仿那些在广告和漫画中常见的艺术风格。
2：而像安迪·沃霍尔则喜欢把**明星和食品包装上的形象印在画布上。
3:还有一些艺术家。如罗伯特·劳森伯格，则喜欢把粗线条拼凑在一起。
所有波普艺术家都坚信，他们要呈现的是人们生活着的当今社会，而不是过去的社会．．
艺术发展史上的很多时期，都会有一些艺术家以相似的主题、风格或灵感进行创作，被称之为“艺术运动”。波普艺术和印象派就是艺术运动的实例。如果我们回顾历史会发现，把艺术家用这种“运动”来加以区分是很容易的。在那个时期。艺术家们都是独立工作。他们在不同的地方进行艺术创作，不会互相抄袭作品。他们可能并不把自己看做是运动中的一分子。事后我们区分不同的运动是为了了解艺术的发展过程。
新运动
为什么波普艺术在20世纪50年代 得到了发展呢那时世界上发生了什么事情我们知道，欧洲的许多国家都在1945年第二次世界大战后期开始着手恢复国家的生产，但是
美国和英国却从20世纪50年代开始就进入了一个新的繁荣期。这种繁荣推动了社会各领域的变革，艺术界的波普运动也由此产生。
20世纪60年代纽约的百老汇，许多波普艺术家都从这里明亮的，诱人的广告以及其他流行的形象中获得过灵感。
后战争时代的变革(方便快捷新颖渐成主流）
到了20世纪50年代中期，美国和英国已经转型为消费社会。工业发展十分迅猛，人口激增，人们也变得越来越富有。与以往相比，他们为自己家人和家庭买的东西更多了。对许多人来说，他们的目标也变得现代和时髦，比如，在20世纪50年代，人们购买更大的汽车、电视、新款式的家具和电动剃须刀。像圆珠笔这种只用几次就被丢掉的一次性产品也之一次被摆上了商店的柜台。
人们也开始购买在战争时期买不到的食品。这种新型食物在食用之前几乎不需要特别加工，比如汉堡包和袋装冷冻食品(电视快餐)。这些产品都可以在变得越来越大的超级市场中买到，而在私人开的商店里却很难买到。
商用艺术的兴起
因为人们的购买力越来越大，商家开始为卖出更多的产品而彼此竞争。他们需要有绘画技巧的人创造出商业艺术。这种艺术包括对产品的设计和能诱惑顾客购买商品的广告。广告业并不是新兴事物，但是在战后，商家都试图获取更高的营业额，商标名称和容易识别的广告形象变得比以往任何时候都重要。许多商品都在超市里被码放在一起；广告不仅出现在广告牌和招贴板上，而且出现在五颜六色的杂志中和电视屏幕上。
在20世纪50年代之前，广告业和设计业的艺术工作者通常要从在艺术学校学习传统艺术课程开始，这些课程包括在过去的艺术大师的画作中学习油画的绘画技巧。在20世纪50年代，一种不用学习传统艺术课程的新型艺术学校成立了，这种学校是专为培养平面设计师而开设的。学生们在这里为日后能从事与商业艺术相关的职业作准备。
便捷成主流
在20世纪50年代的新型消费社会中，人们想拥有一种便捷的生活方式。从超级市场里堆放的各种各样的商品．到直接从冰柜里拿出的冷冻速食晚餐，都暗示出人们对“便捷”的渴望。商业艺术家需要为这些产品设计广告和包装。
在20世纪50年代，广告商都急于想出精炼、响亮的广告语，这些广告语与产品图像结合起来可以使消费者更容易记住他们的产品。这段时期的著名广告语有：
她用了她没用(伊卡璐发胶．1957年)
滴滴香浓。意犹未尽。(麦斯威尔咖啡，1959年)
只溶在口，不溶在手。(M&Ms巧克力，1954年)
美国波普艺术之前的艺术
从大约l942年到20世纪50年代，在波普艺术初始前后，美国主要的艺术运动是抽象表现主义。
抽象表现主义
1：有些抽象表现主义的艺术家，如马克·罗斯科，用几种丰富的深颜色浸满整块画布。
2：而杰克逊·波洛克等其他艺术家开创了“行为艺术”，他们把颜料滴、泼或涂抹在画布上。
3：这种作品是抽象的，因为它没有描绘出明显的、现实的主题。它是表现主义的，
4：因为艺术家想要表达的是一种深层次的情感。
1941年l2月，美国海军基地珍珠港遭到偷袭，美国军队正式参与第二次世界大战，随即抽象表现主义运动也开始发展起来。这是许多美国人之一次窥见欧洲大陆上战争的恐怖，因此一些艺术家认为
现实主义的艺术形式不能很好地表达出他们迷乱的心绪。
迷乱 迷 迷乱乱 迷乱
抽象表现主义是20世纪40年代一种新的艺术运
动。以杰克逊·波洛克为代表的艺术家。创造了一种有表现力的图像，用以表达他们对身边不断变化的世界的一种信仰。
反传统艺术的诞生
有些美国艺术家认为抽象表现主义太难于理解，于是开始在另外的艺术道路上寻求发展。比如艾伦·卡普洛和罗伯特．劳森伯格就认为比起一件已经完成的绘画或者雕塑作品，在艺术创作的过程中发生的事情更加令人兴奋。
艺术创作的过程比结果更重要
艺术创作的过程比结果更重要
艺术创作的过程比结果更重要
在20世纪50年代末，卡普洛组织了“偶发艺术”运动，
1:在这种艺术形式里观众可以参与创作。
2:在一些偶发艺术中，从椅子、食品到烟和旧袜子，艺术家可以用任何东西创作出艺术品。
艺术家可以用任何东西创作出艺术品
3:而在另一些偶发艺术中，艺术家只描绘常见的场景，比如在街上购物或是扫大街。
反传统艺术的关键点在于观众可以在一个特定的时间和地点对偶发艺术作出反应。
4:一些其他曲艺术家，比如雷德·葛鲁姆的偶发艺术就像是奇怪的戏剧。观众成员有剧本，这些剧本可以指导他们在这个作品中应该干些什么。
偶发艺术被称做“新达达主义
偶发艺术经常出现在画廊里，但在街道上、停车场里和其他不可思议的地方也会发生。这种反传统艺术的运动有时被称做“新达达主义”，因为这些艺术家的信仰和20世纪20年代达达主义艺术家的信仰十分相似。
那么什么是达达主义呢
下面是达达主义的链接 http://blogsinacomcn/s/blog_6f95e98f0100pacjhtml
重新定义英国文化
l951年5月，英国节开始了。此时第二次世界大战刚刚结束，英国的许多城市依然还是百废待兴。英国节的设立强调了英国人的自我身份及其工业的发展，它给予了民众一种国家正在复兴的信念，增强了民族的自豪感。英国各地都举办展览，科学发明的展品炫耀着英国所取得的成就。最主要的展览集中在伦敦南岸新建的艺术中心里
但是这时人们
需要一个真正的代表未来的东西
于是 因为下面的原因 波普艺术诞生了
与此同时，许多年轻人都希望重新定义英国文化，这种文化能反映出现代社会中人们的兴趣和生活方式。
1：年轻的英国艺术家，如彼特布莱克和理查德·汉密尔顿认为流行的形象，如新车的设计图、模特的照片、科幻漫画上的和**场景对大多数普通人来说都比博物馆里和画廊里的传统艺术更有意义。
2：汉密尔顿曾说：波普艺术是通俗的、廉价的、能大批量生产的、年轻的、聪慧的、性感的、好玩的、迷人的，同时也是一个大生意。”
向西看美国对欧洲产生重大影响
在第二次世界大战期间，美国对欧洲文化的影响越来越大，随着美国在战后成为一个超级大国，这种影响也不断延伸到更多的地方。与美国军队的接触和美国杂志、报纸的影响，使得越来越多的欧洲人对美国的影星和摇滚、蓝调等音乐形式产生了兴趣。
在欧洲人眼中，美国被视为是一个无阶级的社会，在这里任何人都可以通过他们自己的技巧和才能取得成功。这与只有出生在富裕家庭并认识有权势的人才能成功的传统欧洲社会正好相反。
英国艺术家开始对美国的文化感兴趣。汉密尔顿和爱德华多·保洛齐等艺术家组成了“独立小组”，他们从1952年开始在伦敦的新当代艺术中心定期会面。在这里这些艺术家互相展示美国杂志上色彩斑斓的图像，他们也组织展览展出用这些图像 *** 的拼贴画。
之一件波普艺术作品是什么
许多人都认为之一件波普艺术作品是理查德·汉密尔顿1956年的一部拼贴画。它表现了一个“现代"的室内场景。这部作品的名字是《是什么使今日的家庭如此不同、如此吸引人》。
大约在20世纪50年代中期“独立小组"在伦敦的一次会议上，艺术家们开始正式采用“波普"这个
词。艺术评论家劳伦斯·阿洛威在1958年的一篇文章中提出了“大众流行艺术’这个概念。虽然他指的是包括从**到建筑学所有的艺术形式。而不是单指绘画艺术，但是“波普艺术"这个概念开始作为
艺术领域的一次独特的运动被接受并保留了下来。
美国波普艺术大爆炸
在美国，流行商业艺术比英国更早地出现在广告牌以及杂志、漫画和报纸上。20世纪初期艺术家的作品中就出现了商业艺术的形象。比如，在20世纪20年代斯图尔特·戴维斯画了一幅漱口水瓶子的静物画。但是在20世纪50年代，美国艺术家开始对作为消费主义和工业发展的符号出现的流行图像的意义和重要性产生了兴趣。为了使这些符号更加明显，艺术家们喜欢用现实的艺术手法表现它们，而不是用艺术性很强的手法来表现。
罗伯特·劳森伯格和贾斯伯·琼斯常被认为是美国最早的波普艺术家。琼斯有一件以箭术中的靶子为象征的作品。那些在商业艺术上更有经验的艺术家从新达达主义和偶发艺术中获取灵感。这些艺术家，如安迪·沃霍尔、罗伊·里奇特斯坦和克拉斯·奥顿伯格尝试在他们的作品中包含一些流行的物品。成了波普艺术运动的核心。
一切皆美--所有存在的东西都可以是艺术品,只是呈现和表达的方式不同而已
http://blogsinacomcn/s/blog_6f95e98f0100p2dbhtml
60年代“波普”设计风靡一时，从茄克衫、购物袋到唱片封套、咖啡杯、盘子和彩绘家具，所有这些物品都能从商店买到，就像那些英国伦敦卡纳比大街上时装店里的的衣服一样。明快的条纹象征瞬息万变的大众文化，受到了“波普”艺术家和设计师的欢迎。70年代英国伦敦国王大街“弗里德姆先生”服装精品店销售饰有火箭图案的丝绸面料夹克衫，由麦克·罗格斯设计。“弗里德姆先生”服装精品店是当时年轻人非常喜爱的商店，由设计家和企业家汤姆·罗伯茨最早在国王大街上开设，以后业务扩展，在伦敦肯辛格顿大街开设了分店。美国“波普”艺术家罗伊·利希顿斯坦将报纸连环漫画作为创作的基础画成巨幅作品，采用照相技术加以复制，画面如同印刷网点那样，人物形象僵硬没有表情，那样的风格影响了流行的装饰，如商店橱窗设计、广告和壁画等等。1968年埃迪·斯奎斯的具有拱廊图案装饰的织物设计，可以与罗伊·利希顿斯坦的“波普”绘画和设计相对照，反映出设计家对于历史风格、尤其是“装饰艺术运动”的设计风格的兴趣，这种设计风格也可以在30年代美国**院的装饰中看到。
波普是20世纪60年代西方更流行的艺术风格和设计风格，波普设计旨在反对以包豪斯为代表的现代主义设计：波普是英语pop的管译，后者来源于英语单词popular，意是大众的、流行的、通俗的。这里的“大众”指工业化文明中大众的生活方式。
一、从大众文化到波普设计
( 一 ) 大众文化
1 、大众文化：大众文化是后现代时期的主流文化，是信息社会和消费社会的产物。所谓大众文化，指在大众中流行的通俗文化，它是相对于精英文化、高雅文化而言的，精英文化指为少数精英人士所垄断的高级文化。例如，莫扎特的严肃音乐作为艺术家的天才创作，是高雅文化；而流行音乐作为商品化的消费对象，则是大众文化。艺术沙龙艺术画廊具有肃穆的氛围，是高雅文化；集体观看的娱乐**产生乐趣，则是大众文化。大众文化儒好莱坞**、商业电视则被指责为“浮华的”、“矫饰的”、“夸张的”、“极端的”。
20世纪，人们把空闲时间更多地花在看**、浏览杂志和报纸、听爵士乐上。随着现代主义的没落，商品化和商品崇拜的程度达到史无前例的程度，有媒体和广告，有流行艺术，有好莱坞及其商品化的明星如梦露。在信息社会和消费社会中，世界进入新闻媒体控制的电视和广告的时代。大众文化是和大众传媒携手并进的。大众文化的中心是传媒，而电视首当其冲。大众文化主要是视觉文化，通过文化工业如**、电视录音、录像，进入了日常生活的各个层面，成为消费品的一种。精英文化走出象牙之塔，通过商业手段融合为通俗文化，进入寻常百姓家。
大众文化如好莱坞**、迪斯尼乐园、卡拉OK、广告、时装表演、通俗小说、娱乐报刊、游戏机等，以提供娱乐为目的。用一位后现代主义者的话来说，大众文化“就是尽一切办法大儿高兴”。
2 、杰姆逊阐述了大众文化的若干特点：
之一：缺乏审美深度，满足浅薄的平面感。大众文化不追求普遍和永恒，不叩问人生意义这类终极价值，不思考生活中的重大问题，不对世界的意义作出解释。大众文化无力生产严肃的图像或文本给予人们以意义。它用戏谑代替了严肃，用消费代替了精神探索。它认为权威本身己经瓦解，主张多元开放、多样杂糅和去中心。大众文化通过甜腻的媚俗不给人留下反思的空间。
第二：注重现在，割断历史联系。现代主义怀旧表现为传统和记忆，历史意识是一种深沉的根；后现代主义表现历史时仅仅把历史理解为纯粹的形象和幻影，历史事件转换成了照片、文件、档案。后现代一点点地失去了保留过去的可能，我们开始生活在一个不断发展的时代，在这个时代里传统正在不断地消失。
第三：主体消失。这里所说的主体的消失，指随着都市化、工业化和大众传媒的迅速崛起，人被“原子化”。像物质结构中的原子一样，大家干篇一律，不分彼此，失去了个性特征。**，电视、流行杂志，流行音乐等使受众的趣味标准化，大众传媒从外部统一大众的意识，传播固定化的思维模式和情感模式。后现代的多元化是一种离心力，每个人都有权选择自己的生活方式和行为方式，世界成为松散的、以人为中心的视点被打破，世界已不是人与物的世界，而是物与物的世界，剩下的只是纯客观的表现，没有情感和热情。
第四：机械复制性。大众文化最根本的主体就是“复制”。德国学者本雅明在《机械复制时代中的艺术品》一文中指出，在机械复制的时代，艺术和其他产品一样，开始被大批量地“生产”而不是“创造”出来。艺术成为一种生产，艺术家是生产者，艺术作品是产品，读者和观众是消费者。本雅明认为，大众文化是标准化、程式化、机械复制的产品，这是刻版的、流水线生产方式的必然产物。机械复制的广浮运用，使众多摹本代替了独一无二的艺术精品。
